Les enfants du paradis = Los niños del paraíso (1944) Marcel Carne

Me ha llamado siempre la atención que Tolkien escribiera El Señor de los
Anillos durante la Segunda Guerra Mundial; porque me resulta extraño
cómo se puede sustraer una persona tanto de lo que sucede a su
alrededor, cuando lo que sucede es tan dramático, y escribir ficción.
Pero veo que no sólo una persona puede sustraerse de un entorno tan
dramático, lo que no es tan extraño ya que después de todo Tolkien vivía
en Inglaterra y su suelo no estaba ocupado, si no que todo un equipo de
gente realiza la mayor superproducción cinematográfica francesa hasta
ese momento, Les enfants du paradis. Y no es una película de denuncia
de la ocupación alemana, o en defensa de la paz, o a favor de los
alemanes, nada en ella hace pensar que fue rodada en plena guerra
mundial, en un país ocupado, con los hornos crematorios echando humo.
¡Oh, mon dieu!, qué estupor, es un drama amoroso que el guionista,
Jacques Prévert, sitúa en el París de 1840. Como eso de "hay gente pa
to" ya lo escriben hasta en la prensa y no me gusta repetir :D, pondré
otra expresión: el género humano no deja de sorprenderme (lo que también
es una frase hecha, pero está menos usada :D)

La película se divide en dos partes. En la primera nos presenta cuatro
jóvenes que están abriéndose paso en la vida. Uno de ellos quiere ser
actor, otro es hijo de actores y tiene talento para la mímica, un
tercero aspira a ser autor teatral, y el cuarto es una mujer hermosa y
feliz, sin oficio ni beneficio de la que se enamoran los tres
anteriores. Cada uno de ellos estará marcado por un carácter que
decidirá su destino. El alegre y decidido, el apocado y tristón, el
malcarado y deshonesto, tendrá cada uno el futuro que se merece, y que
veremos en la segunda parte de la cinta. Resulta muy moralista, pero...
está bien disimulado, no se crean, y es una gran película. Se nota el
gasto en decorados, vestuario, ambientación histórica. Hay que destacar
también los ingeniosos diálogos. El estudio de los personajes y algunas
de las interpretaciones en cambio me parece poco creíbles.
Una de las actrices principales es María Casares, hija de Santiago
Casares, Jefe de Gobierno de la República en 1936 cuando ganó el Frente
Popular, exiliada en Francia al estallar la Guerra Civil, en su primer
papel cinematográfico, esto no es que sea importante pero a mi me
resulta curioso enterarme. Interpreta una fatalista mujer que cree en el
destino, hasta cuando la realidad esté negando sus deseos.
En fin, ésta ha sido mi tarde de Navidad.

Publicado primero en es.rec.cine, el 25 de diciembre de 2004:

http://groups.google.com/group/es.rec.cine/browse_frm/thread/e8a4907351a9adf0/c7ef0a9908e17aa9?lnk=gst&q=ninovska+marcel+carne#c7ef0a9908e17aa9

La edad de la ignorancia (2007) Denys Arcand

Cada vez veo más el cine en la tele y voy menos a las salas: demasiado caras y demasiado incómodas pra lo que se recibe a cambio. Pero de vez en cuando merece la pena pagar el precio de la entrada para ver una película, aunque sea encajonada entre cuatro espectadores apelotonados en el centro de la sala mientas el resto de las butacas permanecen vacías, que es lo que pasa cuando echan una película como ésta consideraba para gafapastosos.  Y es que Denys Arcand es conocido como el Wody Allen canadiense. 

El sábado pasado levanté del sofá mi divino cuerpo y salí a la ventura, como antaño, "a ver qué echan". Estuve de suerte, no tuve que elegir muerte.  La edad de la ignorancia es una producción canadiense de 2007. Es una comedia que pertenece a la última entrega de la trilogía formada por "El declive del imperio americano" y "Las invasiones bárbaras", que aún no he podido ver, pero que si son como ésta, lo solucionaré en breve. No sé qué relación tendrán las películas de la trilogía, pero ésta se puede ver independientemente de las anteriores.

La edad de la ignorancia traba de un hombre maduro,  ignorado en su familia y en el trabajo como funcionario del Gobierno del Quebec, que soporta su anodina vida, soñando que es un escritor de éxito, un caballero andante, un actor conocido... ante el que las mujeres caen rendidas de deseo. Hasta que la vida real le planta los pies en el suelo de golpe. 

Nada más empezar a verla pensé que estaba inspirada en "American beauty", de hecho las referencia son constantes: ambos personajes son muy parecidos, su familia los ve como hombres aburridos, las dos esposas son una ambiciosas vendedoras inmobiliarias que ponen los cuernos, la película comienza con él en la cama y sigue masturbándose en la ducha, aparte de otras escenas como la de creer descubrir desde la ventana una relación sexual con un menor. 

Esas referencias aparte, luego entre ambas películas hay gran diferencia, la que va de la comedia al drama. "La edad de la inocencia" es una caricatura de la sociedad canadiense, del Quebec para ser exactos, exagerada hasta el límite que roza lo grotesco. La mujer que se pasa el día colgada del móvil, las hijas de los juegos electrónicos, no harán otra cosa a lo largo de la película.  El Gobierno protector  que tiene a sus funcionarios sin otra cosa que hacer que escuchar los lamentos de los ciudadanos que va a ellos como antiguamente iban a los confesionarios.  Los funcionarios que reciben cursos de reciclaje de lo más absurdo para aguantar durante horas las penalidades de los ciudadanos. 

Los actores están de fábula, sobre todo el actor principal, Marc Labrèche, que consigue hacer creíble su personaje, a pesar de las grandes dosis de caricatura que lleva.

Te ríes desde el principio,  tiene buenos puntos de comicidad. Lo peor: el difícil anclaje entre las partes reales y las oníricas, que se hacen demasiado largar y sin aportar nada a la trama ni al tema. 

Me encantó: 7/10

Cuando una mujer sube la escalera = Onna ga kaidan wo agaru toki (1960) Mikio Naruse


Keiko (Hideko Takamine) es una joven viuda que trabaja de gheisa en un bar del barrio de copas de Tokio. Ella tiene una buena posición en su entorno, es la Mamá, porque sus suaves maneras y su belleza atraen por igual a los hombres poderosos, empresarios, banqueros, que van al bar y gastan mucho dinero solo para compartir copas y conversación con ella, que a las mujeres con las que trabaja. Existen varios tipos de geisha: las mejores, que van en taxi y pueden aspirar a casarse, las secundarias, que van en metro y tienen pocas aspiraciones, las malas, que se van andando, y las que ya no tienen nombre, que se van con los clientes. Y ella es de las primeras.
La película más que retrato del mundo de las gheisas, es un fabuloso retraro de una mujer tradicional, con un sentido muy acusado de la dignidad y el honor en un Japón que cambia, pierde los valores y se occidentaliza. Keiko, quiere mantener el equilibrio entre esos dos mundos, ser fiel a sus ideas tradicionales, sin criticar las nuevas. Ella se para antes de subir las escaleras del bar en el que trabaja, porque odia estar allí, pero es su trabajo, con él se mantiene y mantiene a su familia, así que en cuanto llega al local se convierte en la divertida mujer que estan esperando. Es también un buen retrato de mujeres y hombres, a los que podemos ver en facetas de personalidad muy diferentes, de forma que no resultan ni buenos, ni malos, solo humanos, complejos e impredecibles. Es una películas de sentimientos, en la que importa más lo que se siente que lo que se dice (mira, al contrario que Antes del Atardecer, que de tanto que importa lo que se habla, llegas a dudar que sientan algo), y lo que fluye en los corazones, en el alma, que lo que sucede en la apariencia. Aunque resulta muy extraña por la dificultad de entender la cultura tradicional japonesa, por lo que se puede ver como un documento sociológico, los sentimientos, el amor y las pasiones escondidas, hacen de ella una obra universal, imprescindible.

Three Times (2005) Hou Hsiau Hsien


Ayer noche fuimos Laura, Cris, Spiff , un compañero de trabajo de éste, su novia y yo a ver la película Three Times programada como inauguración del Festival de Cine Asiático. A mi me gustó bastante (tampoco para cinco estrellitas, pero si para cuatro, o tres y medio), a los demás no tanto.
Son tres historias de amor que sucenden en tres momentos históricos diferentes, protagonizadas por los mismos actores. La primera historia se titula Tiempo de Amor, en los años 60, es un amor romántico-práctico, de esos de busco el amor porque es lo que toca, como voy a hacer la mili porque es lo que toca, los amantes se miran y se ríen sin saber de qué hablar, la actriz realiza una magnífica interpretación de la pavisosa protagonista. La segunda historia se titula Tiempo de libertad, y sucede a principios del s. XX, es muda, con sus diálogos escritos magníficamente adornados, los amantes hablan mucho, saben de qué hablar, pero hablan de todo menos de lo que realmente piensan y sienten, el subtexto lo domina todo. Esta historia es la que más me gustó, porque es la que deja que la tormenta sentimental que se adivina en el interior de los personajes traspase al espectador. La tercera historia se titula Tiempo de juventud y es actual, de 2005, entre el caótico tráfico de una gran ciudad, los amantes viven un vertiginoso y atropellado románace.
La pregunta es inmediata: ¿puede el momento histórico y sus condicionamientos sociales y políticos influir en la manera individual de vivir un hecho en apariencia tan personal como el amor? La respuesta para Hou Hsiau Hsien es decididamente si, y eso es lo que magníficamente nos muestra. El amor caótico y perdido de una época, el imposible de otra y el alineado de la que falta, no te deja ser optimista con el amor ni siquiera como refugio.

As bodas de Deus = Las bodas de Dios (1998) Joao Cesar Monteiro


Me resulta difícil opinar sobre la obra de Monteiro, ese provocador, ese exhibicionista, ese fauno. He leído que Monteiro no estaba bien de la cabeza, que era un enfermo mental, a mi me parece un hombre totalmente desinhibido, pero muy en sus cabales. Una película para disfrutar sin pretensiones, solo si se consigue desinhibirse de todo. No es una maravilla formal, tiene muy pocos movimientos de cámara, la fotografía y el sonido dejan mucho que desear, tecnicamente no me ha parecido una gran obra, en mi opinión. Los actores no pasarían un examen de una escuela de interpretación, empezando por el propio director-actor. Pero ¿quien se lo pide? ¿quien examina? No se pretende que durante la película el espectador se olvide de que está viendo una película y piense que eso es la realidad. No. Durante toda la película se está diciendo que eso es una película, que es ficción. Es el reflejo de un tiempo de la vida del director-actor, sus neuras, sus sueños, sus necesidades, sus pasiones, sus manías, sus locuras, de ese tiempo de vida. Si, un W. Allen portugués, pero mucho más provocador. Y sus pasiones, manias... son el dinero, el juego y las mujeres, y no otros, nunca la comida, por ejemplo, que parece aborrecer.
Es más obra del director de fotografía que del propio director. Busca un encuadre para toda una escena y de ahí no cambia, incluso cuando los personajes se mueven. En cuanto al trabajo de actor de Monteiro creo que se basa mucho en la propia expresividad de un cuerpo como el suyo, que parece un personaje de El Greco, más que en la actuación. Todo un admirable personaje este Monteiro, aguanta la cámara durante minútos interminables mientras se llena el plato de cocido para no comérselo, o sus monólogos que termina con una frase hecha quitando toda importancia a lo que ha dicho, vanalizandolo. A mi me cae estupendamente :)))
Tengo la impresión de que lo que interesaba a Santi era lo que parece desprenderse de la opinión de Monteiro sobre las mujeres como objeto sexual. No, no me ha parecido un misógino. Siendo mala opino que el motivo principal para hacer películas para Monteiro era su oportunidad de tener los pechos y el bello púbico (¡la llama sagrada! exclama cuando ve una mata de bello púbico :DDD) de esas bellas actrices entre sus manos :))) y mostrarlo ante la cámara, para envidia de los que solo miran. Pero ¿quien dice que eso sea malo o antifeminista? :)))) El día que las mujeres no queramos ser deseadas sexualmente por los hombres se habrá acabado el mundo, a menos que inventen la matriz artificial :)))

Eraserhead = Cabeza borradora (1976) de David Lynch


Han pasado tres días y no me quito esta película de la cabeza, espero que escribiendo este post me sirva de exorcismo y me deje libre.
He averiguado (bueno, he leído el post de Santi Gallego) que fue la primera película de David Lynch, que la realizo mientras trabajaba en cosas como repartir diarios y reparar tejados, que fue rechazada por varios festivales, y que tan solo consiguió que se pasara en una sesión de madrugada, durante un año, en un pequeño cine de Nueva York. Hasta que la vió Mel Brooks, quedó fascinado y encargó a Lynch su siguiente trabajo: El hombre elefante. No estoy dando datos importantes, lo sé, es sólo que intento ganar tiempo antes de meterme más en esta cinta que no me atrevo, por ahora, a ver de nuevo. Es una película en blanco y negro, con apenas diálogos y una enervante ¿banda sonora con ruidos extresantes?
Cada uno ante una obra de arte ve lo que su mente procesa de lo que sus sentidos están captando. Es una perogrullada, vale, pero ¿porqué ante una misma percepción sensorial, a unas mentes aburre hasta dormir y a otras inquieta hasta hacerles revolverse con inquietud, apagar el sonido durante un rato por puro temor, perder el sueño, y aún así, fascinados, no poderse despegar de la pantalla? Se me ocurre que por lo mismo que a unos, más seguros, lo surrealista les deja indiferentes por considerarlo absurdo y punto, y a otros, menos seguros, inquieta por motivos no fácilmente razonables. Voy a tratar de razonar los míos.
La película habla de la percepción que un loco, al que los demás en principio no notan su locura, tiene de la realidad. El protagonista es un hombre raro, poco expresivo, enfundado en un traje corriente, que no tiene otro signo exterior de extañeza que su pelo rizado con un tupé excesivo. Este hombre, un tímido solitario, vive en tres mundos que aún parece tener capacidad de separar: el de la "realidad" que "ven" sus sentidos cuando se relación con los demás y que no sabe muy bien, tampoco le preocupa, si pertenece a una deformación de su mente o es la realidad tal cual; la de cuando sueña despierto, que reconoce como sueño y la de cuando está dormido, que se confunde con las otras dos. Lo que más me inquietaba era esa realidad que percibe cuando se relaciona con los demás, el protagonista se extraña de los movimientos de los objetos inanimados y del comportamiento de la gente que le rodea, sin atreverse a interferir nunca o intentar aclarar sus visiones comparándolas con las de los demás, tampoco le importa demasiado, le interesan más sus sueños de cuando está despierto. El director juega con nosotros haciéndonos ver como verdadero lo que procesa la mente del protagonista. Pero ésa es una explicación, más o menos razonable,l que se me ha ocurrido, y a mi no me hubiera hecho sentir temor si lo hubiera entendido así mientras veía la película. Lo que sentía entonces es el terror a la locura, el miedo a perder el sentido de la realidad, el miedo interior a mi propio yo, la angustia ante la tranquilidad con que el protagonista vive su absurda realidad como algo natural cuando a mi, ante lo mismo, me sentiría perdida, aterrorizada. MIEDO al MIEDO.
Creo que de esta forma no me voy a exorcizar... mejor será que me ponga a contar de qué va la película, esto... SPOILERS
Va, más o menos, de un hombre que vive en un horrible barrio periférico rodeado de fábricas y vías de tren, que está de vacaciones cuando recibe, a través de la vecina que no conoce, la invitación de una novia, con la que ya ha roto, a cenar en casa de los padres de ella. El hombre duda, no entiende a qué viene ahora una invitación así. Pero va. Allí es informado de que ella ha tenido un bebé, que no saben si es un bebé, y tienen que casarse para cuidarlo. El bebé resulta ser un bicho raro, mezcla entre pájaro desplumado y ET (Santi Gallego dixit, creo) que no para de berrear y pone histérica a la madre, de forma que ésta huye abandonándolos. Como con todo, Henry, el protagonista, acepta su destino con resignación de santo al que todo da los mismo y solo importan sus propios sueños. Hasta que un día la hermosa vecina de al lado, llama a la puerta y se queda a pasar la noche con él. Por primera vez el protagonista disfruta realmente, su sueños despierto y la realidad coinciden; pero ella siente terror ante ese bicho-hijo que no para de berrear. La vecina se lía con otro y Henry parece haber perdido toda posibilidad de conseguir la felicidad, culpa al hijo y ... Veanla, oño, que merece la pena.

Mios, tuyos, nuestros (2005) Raja Gosnell


Contaba mi padre que en el pueblo un viudo con hijos se casó con una viuda también con hijos, juntos tuvieron más, hijos, así que cuando se peleaban, la mujer chillaba:
-Baja, Paulino, baja, que se están pegando tus chicos, los míos y los de a medias.
El recuerdo de esta frase, que me hizo reir de pequeña, fue lo único positivo de esta película. Dice en la ficha técnica que dura 90 minutos... hay películas de cuatro horas que se me han hecho más cortas, por la tortura de aguantar (no pude ser que no tenga ni siquiera un poco de gracia... va, hombre, esos dialoguistas que demuestren que se han ganado el sueldo, ¡ostras, ya!) algo tan horrorosamente previsible. Es una comedia, graciosilla (no graciosa, atentos a la diferencia) y blanda, para todos los públicos, podría pasar por entretenida si te la ponen un sábado por la tarde mientras echas la siesta y entre bostezo y bostezo pillas algo sobre un padre muy estricto que está en la Marina americana, una madre que es diseñadora y muy desordenada, ambos guapos, exitosos y muy buenas personas, y que tienen tantos hijos que llenan el autobús escolar, dieciocho, más la señora de la limpieza, fija, eso sí. Y cuando acaba pues te levantas del sofá y te vas al Prica sin complejos. ¿Pero cómo se les ocurre estrenar semejante bodrio en los cines, por las barbas de Karl Marx? Cierto que podría tener interés porque subyace la intención de indagar en un problema bastante acuciante: ¿es mejor una educación rígida o liberal? Pero da por hecho que de una educación rígida resultan unos hijos repipis pijos, raya al lado y sin pizca de creatividad, y de la liberal resultan unos niños pasotas, muy creativos, que a la mínima nos montan un pollo... Tan fácil como una ecuación de primer grado, anda, y aquí gastando millones en planes de educación y dando vueltas a la sesera para averiguar qué es lo mejor, con lo fácil que era oye, ¿quieres que sea tu hijo un cantante de rock? educación liberal, qué sea un lider político, educación estricta. Ea. Las chicas de educación estricta salen como una Hilary Duff, las de educación liberal salen más como... como... ¿ya no salen Joan Baez?
Estrellitas, siendo generosa, muy generosa, una.

Passion de Jeanne d'Arc, La = Passion of Jean of Arc, The (1928) Carl Theodor Dreyer


SOBRECOGEDORA es la palabra que define el estado de ánimo que dejan las imágenes, y la música, de esta película. BOQUIABIERTA, porque no esperas que de una película del cine mudo y de un tema tan recurrente y poco atractivo, en principio, como es la historia de Juana de Arco, pueda extraerse tanta y tanta belleza. Y SILENCIO respetuoso, el mismo que sobreviene cuando se penetra en la magestuosidad de una catedral gótica. Pero además hablando extrictamente de modernidad y vanguardia esta película de 1928 lo es mucho más que las versiones coloreadas del mismo tema que tanto nos pasan por televisión. ¡Y no solo por cómo se mueve la cámara, qué ángulos tan espectaculares, si no también qué actuaciones, cuánta expresividad, qué autenticidad! Visualmente para mi Joanne d'Arc no será nunca más ni Ingrid Bergman ni Milla Javovick, sino Marie Falconetti. Sin desmerecer al resto de los actores, elegidos por lo que muestran los rasgos de su cara: el obeso glotón, el amargado, el tirano, los hipócritas, los mentirosos... ¡Y qué música tan bien elegida, para la edición de Criterion, que acompaña y subraya los pasajes con gran expresividad emocional!
La película narra en 83 minutos, siguiendo las Actas del Proceso Inquisitorial, los hechos de mayo de 1430, cuando Juana de Arco cae en manos de los ingleses, que ocupan suelo francés, y el gobernador elige un jurado de la Inquisición que garantice el martirio final en la plaza pública.
Cierto que la película muestra un respeto religioso a la figura de la Santa, pero como hace muy poco leí que las visiones de Hildegard, monja alemana que escribio hacia 1180, son "alucinaciones jaquecosas" según la interpretación de la neurología moderna (en Oliver Sacks "El hombre que confunduó a su mujer con un sombrero", Anagrama, pág. 212-216), no puedo dejar de preguntarme qué podía tener una mente que escucha voces e interpreta que son divinas y prefiere morir defendiendo su autenticidad, a firmar un papel en el que diga que las voces procede del diablo. Eran los tiempos. O no. También ahora mismo hay hombres y mujeres dispuestos a matar, y a morir, por una idea, o por una verdad. ¿Escucharán voces? ¿Tendrá tratamiento?
Esto... he visto, seguro, que uno de los inquisidores llevaba gafas del s.XX, pero tan exageradas que parecían las de las chicas del 1.2.3 de Chicho Ibáñez y un cáliz con un diseño tan moderno que es imposible que ni unas ni otro estuvieran puestos por despiste, ahora bien, se me escapa lo que pueden significar.

Brief encountre = Breve encuentro (1945) David Lean



Hace tiempo que vi esta inquietante y angustiosa película. Está entre las clasificadas en este grupo (es.rec.cine en la Usenet) como una de las cien mejores películas de la historia, en el 63ª lugar, y en las votaciones actuales de la letra B va fluctuando entre el 5 de obra maestra y el 3 de buena, con un solo mínimo de 2.5 que ha puesto Rafa. ¿Qué pondría yo? Es buena, muy buena, pero... tan negra, tan desasogante y sin esperanzas, ¡tan terriblemente realista! que no me da la gana de dar un 5, un 3 y va que chuta. Pero el 5 se lo merece. Para no recomendar a un amigo deprimido.
Trata de una mujer y un hombre que una vez por semana cogen el mismo tren. Uno de esos días, por casualidad, sus destinos confluyen. Y, esas cosas que pasan, empiezan como amigos y luego se enamoran. Nada del otro mundo. Él está casado, y ella también. Nada del otro jueves. Solo que ella tiene tan interiorizada la fidelidad que... ¿Nada que no pase día si día no? La respuesta en la película.
Hummm... ¿algo breve el comentario? Honor que hago al título.

Minority report (2002) Steve Spielberg

En principio Minority Report pertenecía a la clase de películas de "con una vez es suficiente", no salí con la idea de "esta película quiero verla otra vez". No me desagradó ni me pareció una película mala, solo que, personalmente, entonces, cuando la ví, pensé que nada me aportaba . Pero resulta que pasado el tiempo sus imágenes siguen vivas en mi mente, pero algo tendrán que ver los muchos anuncios publicitarios y los gags cómicos que se han creado basándose en esta película, creo yo.
Me pareció una película de aventuras para pasar el rato. Cierto que tiene un mensaje, que se capta rápidamente: el futuro no está determinado porque al final uno siempre puede elegir, no existe el destino. Por eso, nos dice la película dando la vuelta al relato en el que está inspirada, el sistema precog no podía funcionar ya que falla en su propia base. Spielberg parece pensar que, como el tiempo es oro, para plasmar una idea tan primaria no hace falta gastar mucho las neuronas en la historia. Pero no me desagrada porque creo que el director se daba perfecta cuenta de eso que llamáis "los fallos de guión" y nos está pidiendo licencia para que le creamos como nos creímos a Indiana Jones. ¿Alguien se cree que los ojos correrían como canicas si se cayeran al suelo? ¿alguien se cree que se podrá saltar de esa manera de un coche a otro por las autopistas del futuro? ¿salir vivo de una cadena de montaje? ¿liberar a un preso tan ricamente?... Para mí que Spielbarg está haciendo un homenaje, no al genio del suspense, sino a los DIBUJOS ANIMADOS, a las historias del Correcaminos y la Pantera Rosa :) y, por supuesto, a las películas de aventuras ¿o no?. Jo, que si.
Las imágenes, luces, sombras, sonido, correrías y ambiente que crea para hacer llegar el mensaje son de impresión. La única pega que encuentro es lo poco que se ha esmerado en el vestuario, si supone que los hombres vais a seguir con el traje corbata hasta la mitad del siglo que viene y a nosotras nos vestirá ¡el Zara! Mal gusto, por favor, poca imaginación, podía haberse esmerado un poquito, oñe. Resumiendo, que Spielberg ha montado un circo con fuegos artificiales, para olvidar pasado el efecto. O no.

2046 (2004) Wong Kar-Wai


Cuando acabé de verla salí encantada, aunque no en estado de trance como In the mood for love, que es sublime. No está de más ver antes ésta, In the mood for love, para enterarse de qué va 2046, pero tampoco es imprescindible, más que nada porque hablando de ese futuro 2046, siempre se está refiriendo al pasado, a lo pasado, lo perdido, el paraíso. Y en esa referencia desgarradora me parece perfecta, da hasta dolor. Cierto que en algún momento no sabes si el director ha perdido el norte de su película, si ha liado la historia como un David Lynch o bien eres tu quien se ha perdido entre tantas chinas y chinos (leí el otro día en el diario que un chino se estaba presentando a exámenes de conducir en sustitución de compatriotas, debió querer sacar partido del dato de que todos nos parecen iguales). Pero cuando acaba tienes, o yo tuve, la sensación de plenitud, de haber visto una obra hermosísima, completa, sin fallos, de que las historia tan diferentes que se encabalgan unas con las otras, han quedado cerradas, explicadas, y que tendían a ensalzar el espíritu de la película, que es ese contínuo querer regresar, si, al futuro, a 2046 sin conseguirlo, fracasando una y otra vez, tanto en la realidad como en las historias que el protagonista, un escritor de cf, imagina, aferrándose al mundo imaginario donde habita el amor perdido, a esa búsqueda de la patria del verdadero amor, la añoranza por "ese" pasado, de sentir lo que se sintió entonces... Oh, cuánta belleza, cuánta poesía. Una vida entera para pagar el error de dejar pasar el gran amor... porque subir a una montaña, tallar un agujero en un árbol, guardar tus secretos allí, y tapar después con barro para que ni se salgan ni se enteren, no parece que sea mejor solución que ir al psicólogo. (¿Una tilita tal vez?)

El Valle de Abraham (1993) Manoel de Oliveira

Basada en un texto de la novelista portuguesa Agustina Bessa-Luís, quien se inspira en "Madame Bovary" de Flaubert. Curiosamente hace poco leí un cómic de Posy Simmonds titulado "Gemma Bovery", que, como bien se puede adivinar, es una relectura, o reelaboración, o reinterpretación, o reactualización de la misma novela, igual que esta película. Nunca ha caído en mis manos el texto de la portuguesa, pero me gustaría poder comparar ambas. Madam Bovary, la infiel, la gran infiel, se está llevando todas las nuevas interpretaciones por delante de otras grandes infieles de las novelas del s. XIX: la Regenta y Ana Karenina. Hace mucho que leí Ana Karenina y guardo en mi memoria su final y las imágenes de la película. Pero de la Regente si guardo y... esto, iba a comentar la película de Oliveira.
Pensé ponerla a grabar cuando la dieron en el C33 e irme a dormir, porque dura 181 minutos, pero me subyugó desde el principio y aguanté sin dormirme desde la una y media hasta las cuarro de la madrugada. Preciosa, divina, maravillosa... tantos adjetivos me resultan poco justos para definir esta película. Es una recreación, que no una adaptación, de Madam Bovary a Portugal, las protagonistas se llaman igual: Enma, Ema; la historia recrea los mismos hechos: una mujer hermosa, huerfana de madre desde muy pequeña, es criada como una reina en la casa rural de su padre, aislada en un valle; ella pasa los días leyendo novelas de amor, asomándose a la baranda desde donde la ven los automovilistas que pierden el control ante su belleza, mirándose a al espejo y esperando, melancólica, la llegada del amor que no viene; se casa más por aburrimiento que por otra cosa con un hombre mayor que ella, viudo y médico, que la adora como a una diosa... Pero ella continua esperando la llegada del Amor... Unos paisajes malacólicos, un paso del tiempo, de los sentimientos, acompañados por Chopin, Debussy, Schuman... Y una poética y cautivadora voz en off... ¡qué maravilla! Esto rebaja bastante mi condición revolucionaria y feminista, porque es una película muy burguesa, tan perfecta como poco arriesgada, pero no se lo digas a nadie.

Ninotchka (1939) de Ernst Lubitsch

Ah, hubiera sido maravilloso empezar este blog con esta magnífica película :( A saber cómo se puede cambiar el orden de las entradas...
Durante uno de los Planes Quinquenales de la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (dentro de nada habremos olvidado este nombre), "cuando en Paris una sirena era una rubia y los franceses no apagaban las luces por los ataques aéreos", tres representantes de la Agencia de Comercio Rusa (Sig Ruman, Felix Bressad y Alexander Granach), llegan a París con la intención de poner en venta las joyas confiscadas a la Gran Duquesa Swana (Ina Claire) durante la Revolución de 1917. La casualidad hará que esté presente un camarero del lujoso hotel en el que se hospedan, antiguo miembro de la guardia del Zar, que escucha la conversación telefónica que uno de los bolcheviques mantiene con un joyero y que prestamente irá a informar a la Gran Duquesa. Ésta es una mujer frívola, coqueta, superficial, fría y arruinada, que tiene por amante a Leo, Conde d'Algou (Melvyn Douglas), un vividor ingenioso, atractivo, elegante e igualmente arruinado seductor, un gigoló francés. Cuando el trío cómico de bolcheviques (que, imagino, son un remedo de cada uno de los guionistas, Billy Wilder, Charles Bracket y Walter Reisch, que se explayan con maravillosos y absurdos diálogos) están negociando la venta de las joyas, aparece el Conde d'Algou como representante de la Gran Duquesa para impedirlo. Tras conseguirlo, asombrosamente logra organizar una opípara comida en la habitación del hotel, con los propios bolcheviques, de la que nos enteramos desde el pasillo por las voces, el incesante entrar y salir de camareros con bandejas y la llegada de tres cigarreras. Además se convertirá en el representante de los bolcheviques, escribiendo un telegrama que enviará en nombre de éstos al comisario jefe de Moscú (Bella Lugosi, en el que dicen único papel distendido de su carrera), para repartirse el producto de la venta a partes iguales entre la Gran Duquesa y el Gobierno ruso. El comisario reaccionará desautorizando a los representantes y enviando uno nuevo. Una.
Ninotchka aparece cuando la película lleva ¡diez minutos! (qué sacrilegio! :-D). La primera imagen de Greta Garbo en la estación, con un traje chaqueta de corte estalinista, abotonado hasta el cuello, sombrero calado hasta las orejas, maleta en ristre y una cara imposible de sargento de caballería, es impagable y a pesar de los diez minutos anteriores la película empieza en ese momento. La película sigue con el descubrimiento de los lujos de Occidente por parte de Ninotchka y su reacción, anulando las actuaciones del resto de los personajes. ¡Qué diálogos tan divertidos! El mozo de estación se aproxima para llevar la maleta de Ninotchka y ésta extrañada pregunta el porqué:
-Porque es mi oficio -contesta el mozo.
-Eso no es un oficio, es una enfermedad social -replica Ninotchka
-Depende de la propina -el pragmático mozo.
Preguntada sobre cómo van las cosas en Moscú:
-Los juicios masivos van muy bien, hay menos rusos pero son mejores -contesta Ninotchka.
Ya ante la entrada del hotel descubre un escaparate con un sombrero en forma de cucurucho, la alta costura parisiense, que desprecia:
-No comprendo como sobrevive una civilización que obliga a sus mujeres a llevar eso -comenta ella.
En la habitación real -de Rey- que los tres bolcheviques ceden a Ninotchka, cuando se entera de que vale dos mil francos diarios:
-Una vaca vale dos mil francos, si me quedo una semana costare siete mil francos, ¿quien soy yo para costar siete mil francos al pueblo ruso?
La nueva representante del gobierno soviético se pone rápidamente a trabajar, aunque quiere aprovechar para conocer los adelantos técnicos de París: el alcantarillado, la central eléctrica... esas cosas. El primer día que sale del hotel para una visita técnica a la Torre Eiffel, coincide en la isleta que hay en mitad de la calzada delante del hotel con el Conde d'Algou que viene con urgencia a entrevistarse con el nuevo representante del gobierno ruso. Sin intuir de quien se trata y tras un diálogo destornillante, el Conde d'Algou decide cambiar su rumbo y conquistar a Ninotchka siguiéndola donde quiera que vaya. En el proceso de enamoramiento entre ellos hay un radical cambio de actitud de los enamorados que tiene su mejor momento cuando Leo, el Conde, consigue hacer reir por primera vez a Ninotchka, y en el que la cámara se explaya mostrando una inaudita Greta Garbo riendo a carcajadas; cuando Ninotchka decide comprarse y lucir el extravagante sombrero que vió nada más llegar a París; o cuando los dos, queriéndose olvidar de lo mucho que les separa, exclaman:
-¡Enamorados del mundo uníos!
Y no voy a seguir contando esta comedia descacharrante, antecedente directo de la de Wilder "1, 2, 3...". Ha sido calificada como película anticomunista, pero recordemos que la película fue realizada antes de la guerra fría, y que si nos fijamos, ni bolcheviques ni rusos blancos salen bien parados, y tampoco los occidentales representados por el encantador pero decadente y frívolo Conde d'Algou. Todo el mundo tiene que cambiar y mejorar, eso si, unos más que otros. Lo mejor de la película: ¡¡¡esos diálogos y esa Greta!!!
Para acabar nuevamente tengo que dar las gracias al encantador pero frívolo Sr. Conde Ferdinando von Galitzen por haberme proporcionado tan gloriosa cinta.
Mi nick procede de esta película, pero no se me ocurrió a mi lucirlo. Se lo debo a Humberto, Hum, Jum, un adorable posteador canario de es.rec.chistes, luego de es.rec.humor, con quien me divertí, comenté, aluciné, discutí, disfruté, parlamenté durante muchos años. Hum fue un gran creador de divertidísimos personajes virtuales que permanecieron durante largos años en la memoria de cuantos posteamos con él. Tenía una viva imaginación. Él mismo era un Billy Wilder, un talento agazapado. Hum, querido Hum.

A las cinco de la tarde = Panj é asr (2005) Samira Makhmalbaf

Este es el poema que inspira la película, y que se va recitando a lo largo de toda ella:

Llanto por Ignacio Sánchez Mejías / Federico García Lorca (1935)
La cogida y la muerte
A las cinco de la tarde / Eran las cinco en punto de la tarde / Un niño trajo la blanca sábana / a las cinco de la tarde / Una espuerta de cal ya prevenida / a las cinco de la tarde / Lo demás era muerte y sólo muerte / a las cinco de la tarde. // El viento se llevó los algodones / a las cinco de la tarde. / Y el óxido sembró cristal y níquel / a las cinco de la tarde. / Ya luchan la paloma y el leopardo / a las cinco de la tarde. / Y un muslo con un asta desolada / a las cinco de la tarde. / Comenzaron los sones del bordón / a las cinco de la tarde. / Las campanas de arsénico y el humo / a las cinco de la tarde. / En las esquinas grupos de silencio / a las cinco de la tarde. / ¡ Y el toro solo corazón arriba ! / a las cinco de la tarde. / Cuando el sudor de nieve fue llegando / a las cinco de la tarde, / cuando la plaza se cubrió de yodo / a las cinco de la tarde, / la muerte puso huevos en la herida / a las cinco de la tarde. / A las cinco de la tarde. / A las cinco en punto de la tarde. // Un ataúd con ruedas es la cama / a las cinco de la tarde. / Huesos y flautas suenan en su oído / a las cinco de la tarde. / El toro ya mugía por su frente / a las cinco de la tarde. / El cuarto se irisaba de agonía / a las cinco de la tarde. / A lo lejos ya viene la gangrena / a las cinco de la tarde. / Trompa de lirio por las verdes ingles / a las cinco de la tarde. / Las heridas quemaban como soles / a las cinco de la tarde, / y el gentío rompía las ventanas / a las cinco de la tarde. / A las cinco de la tarde. / ¡ Ay qué terribles cinco de la tarde ! / ¡ Eran las cinco en todos los relojes ! / ¡ Eran las cinco en sombra de la tarde !

Este enlace lleva a una entrevista con la directora, muy clarificador de sus intenciones, y muy bien conseguidos, a mi juicio.
http://www.comohacercine.com/articulo.php?id_art=1265&id_cat=2
Destaco una frase: "Aquellos que creen que la democracia se pude implantar en cualquier lugar del mundo mediante la acción militar no estarán de acuerdo con mi película"
Resulta tan desgarradora de ver como el poema de García Lorca al que hace referencia el título y cuyos versos abren y cierran la película.

Tengo desde hace tiempo una pregunta en la cabeza para dirigir a cualquier mujer musulmana, pero no conozco ni una y cuando voy por la calle y encuentro alguna no es el momento para formularla (¿entenderá mi idioma? ¿se lo tomará a mal?). El pañuelo que usan las musulmanas es ya un signo de identidad cultural más que una creencia religiosa, pero me fastidie porque ¿me puedo poner uno y que no parezca que reivindico sus ideas? El velo, pañuelo, es también un signo del sometimiento femenino a la autoridad masculina, opino. Entonces, para resumir mi pensamiento progre al respecto, está bien que viviendo en Occidente lleven pañuelo por reivindicación cultural frente al Occidente homogeneizador, pero mejor estaría si las que viven en sus países se lo quitaran en signo de rebelión feminista. Tiene gracia que los árabes que viven en Occidente no lleven signos externos que los identifique como tales, pero las mujeres si: ¿no serán marcas de propiedad?, "cuidado, no mires, no toques a esta mujer, es nuestra, es musulmana".
La protagonista de la película es una chica joven que sueña con dedicarse a la política en el futuro, pero su padre talibán no consiente ni que vaya a la escuela. La única rebeldía que la joven se permite es llevar de escondicas un par de zapatos blancos de tacón, la cara descubierta y huir a la escuela cuando su padre cree llevarla a rezar. En todo lo demás obedece ciegamente al padre, hasta en decisiones que perjudican seriamente su supervivencia física.
Ahí falla la película, considero, porque la propia directora no parece ver lo evidente: que no es compatible la obediencia y la libertad, y que ésta cuesta, y mucho, a veces la propia vida. La libertad no te la pueden imponer desde fuera, es verdad, eso nos dice, pero si de uno mismo, una misma, no sale la más mínima rebelión, nada se puede esperar sino el sometimiento.

Me impresionaron muchísimo las imágenes de lo que debe ser habitual en Afganistas: hombres que cuando ven el rostro de una mujer se ponen de cara a la pared hasta que pasa y luego piden perdón a Alá por haber pecado, me resulto hasta íntimamente ofensivo. En las sociedades en las que la mujer debe vivir escondida en su casa, atrapada entre el ansia de libertad y el deber para con su tradicción cultural, parece que la disyuntiva que tienen sea: consigo mi libertad y me paso al enemigo / esclava me quedo con mis hombres (padre, marido, hermano, hijo)
Me da ahogos pensarlo. Porque ¿pueden ellas defenderse y conseguir su libertad? En la película parece que prefieren seguir a sus hombres y morir sometidas que levantar la voz y desobedecer. ¿Es tan negro o es parte del difícil camino hacia el progreso? El progreso... ¿hacia dónde? ¿acabará por estallar la indignación de la mujer musulmana ante el omnipotente hombre? ¿Hay contradicción en lo que pienso, y dónde está?
¿A que todo va a ser por el asunto del pañuelo? El asunto del pañuelo tiene su aquel. Tengo una colección de pañuelos que antes me ponía algún día frío o de mucho viento. Pero desde que han llegado tantas musulmanas tapadas con pañuelos, miro los míos como prendas ajenas, extrañas. ¿Será porque ahora tienen un significado simbólico que antes no tenían y con el que no me identifico o porque temo me confundan con una musulmana? Hummm, ah, no, este invierno vuelvo a usar pañuelos... ¿o no porque no es mi signo cultural? Hace unos años en el chat me puse un nick de resonancias masculinas y árabes. Qué sorpresa me llevé cuando un conocido me abrió un privado y me empezó a insultar. Era del grupo que entonces pululaba por el canal Filosofía que cuando se juntaban jugaban a ser el Estado Mayor de Hitler, y que a mi me tenían siempre en duda de si eran o no fachas. El que hacía de Hitler era bastante inteligente y culto, se escabullía dialecticamente como una anguila y era difícil saber si bromeaba o no. Aquel día perdí las dudas. Quise quitármelo de encima (no, no era el que hacía de Hitler), pero era persistente, seguía y seguía insultando. Atrapada entre la rabia y la vergüenza que sentía por él, ¿puede caeros mal alguien con quien os habéis reído?, decidí mostrarme: "Oye, que soy Ninovska". Momento largo de silencio y luego "Ah, perdona, perdona, lo siento mucho" Tras aquello no volví a encontrármelo en el chat. Tampoco yo volví a ponerme un nick de resonancias árabes... ¿Me pondré pañuelo?

Este batiburillo de comentarios viene a que la película, guste o no, nace con la vocación de provocar polémica, hacer pensar. Lo consigue, pues. En cuanto a su calidad como película, es más discutible. No es una gran película. Pero merece mucho darse un baño con sus ideas y debatirlas.

Il Mestiere delle armi = El oficio de las armas (2004) Ermano Olmi


Siempre me había costado entrar en las películas de guerra: los aires épicos, las palabras grandilocuentes, los heroismos bélicos, las grandes gestas, batalla, duelos de espadas, explosiones de pólvora... me producían tedio. No puedo decir que ahora me gusten, pero sí que después de Ram y Barry Lyndon veo las películas épicas con mejores ojos (esto debe ser que he subido algún escalón cinéfilo :D). Ésta es una película de cuando los soldados eran condottieris, mercenarios, del Renacimiento.
La película forma un bucle temporal que empieza en el mismo momento en el que acaba, desde el principio sabemos cómo va a terminar el personaje principal; nos narra los últimos días de la vida de Juan de Mediccis, al mando de las tropas del Papa, luchando contra la invasión de Italia por los alemanes del emperador Carlos V Ya entonces se hablaba de los disciplinados soldados alemanes, mientras las tropas italianas estaban formadas por indisciplinados que sólo podían ganar batallas sorprendiendo al enemigo con valor y escaramuzas de guerrilla (luego querran Udes comparan tecnología italiana con alemana... si es que viene de siglos y esto no hay quien lo remedie :D) como explica el propio Juan de Medicci. Pero sobre todo la película habla del oficio de soldado, de unos hombres que arriesgaban su vida hasta la muerte y que ni recibían la paga en muchos casos, como sucedia a los del ejército papal, que eran pagados con padrenuestros y avemarías, y solo el empecinamiento y el carisma de Juan de Medicci conseguía que lucharan con valentía aún hambrientos, con sueño y frío. Hasta que el progreso técnico militar y la diplomacia secreta... venga, a verla.
La película también nos proporciona algún detalle femenino, vemos a la amante del protagonista, una mujer pasional de dramática vida. Y a la esposa, con la que mantiene una relación nada pasional, de puro negocio-patrimonio, que se encarga de la intendencia y de ser la enviada ante el Papa. Qué tiempos en los que distinguían tan bien el binomio: amante / esposa, sin problemas morales que valieran.
Pero lo mejor de la película son las cuidadísmas imágenes, muy bellas, los palacios, el mobiliario, la tecnología, el vestuario, que dan una ambientación histórica exquisita. Un perfectísimo homenaje a un siglo tan impresionante para Italia. Y es que más que una película de guerra es una hermosísima película histórica.

Genoveva (1953) Henry Cornelius

Esta película de 1 hora y 26 minutos de duración pasa en un suspiro, es una comedia deliciosa, hecha con mimo, muy cuidada, propia de los tiempos y las clases sociales bien pensantes, que viven cómodamente sin otra preocupación que los achaques del coche de carreras heredado del señor padre. Y aunque parezca que la estoy criticando, no es así, los problemas de sus protagonistas tampoco estan tan alejados de los nuestros, del afán de pasar un buen fin de semana con nuestras aficiones, acompañados de quienes queremos, sin otra cosa en la cabeza. Luego que eso nos lleve a pequeños, o grandes pero triviales, enfrentamientos con nuestro mejor amigo, y hasta con nuestra pareja, son gajes del vivir en paz. Y que nos sigan los que queremos, aunque no compartan nuestras pasiones, es. también, parte de nuestra necesidad de sentir que se nos quiere, ay.
En pocas palabras: para pasar un maravilloso rato.

La novia cadáver (2005) Tim Burton


Divertida e imaginativa película la última de Burton. Como los cuentos tradicionales tiene un final muy previsible, la bondad y la maldad está muy localizada (¡ojala fuera así en la realidad! ¿porqué en la realidad no tienen los malos una señal en la cara para que nos demos cuenta a tiempo de la magnitud de su maldad?), ¿pero qué importa si es un cuento en el que has entrado por el propio deseo y solo quieres seguir escuchando, viendo, fascinandote? Aunque tiene uno o dos momentos en que sientes que se te está haciendo larga, te sobrepones pronto para seguir la historia con maravilla. El mensaje de la película... ¿tenía mensaje una historia en la que los muertos tienen mejor vida, más color, más diversión, más camaradería que los vivos? ¡Qué negra y que opaca es la vida de los vivos! Muertos vivientes los vivos, vivos calaveras los muertos. Ah, el mundo alrevés. Mi hija debe estar en una etapa difusa, porque se hace preguntas increibles: ¿y porqué la novia cadáver es más guapa que la novia viva? ¿y qué pasa con los padres del novio cuando se quedan sin conductor de la carreta? ¿y qué pasa...? ¡esta niña quiere que yo siga contando la película que no cuenta el director! ¿será posible? Pero dadas sus preguntas, podría haber La novia cadáver-2

Guía del autoestopista galáctico = The hitchiker's guide to the galaxy (2005) Garth Jennings


Ahora que en los foros que participo solo se habla de Cine Raro, del que tampoco se dan opiniones, pues solo hablan los entendidos con sobreentendidos que solo ellos entienden, voy yo con el cine más comercial. También se habla de nuevas ediciones de dvd, ni que cobraran por informar, oye, tal es el interés que ponen. Tal vez haya que animarlo un poquito, pero ¿cómo voy a poner mi opinión sobre esta película en un foro tan elitista? Oh, no, demasiado comercial, y si encima digo que me ha gustado... ¡anatema! No es verdad lo que digo, lo sé, en cuanto me de la gana postearé cualquier cosa, al margen de las opiniones de los dos pedantes, acompañados de dos cursis, que ahora campean en mis grupos preferidos (¿o son ya mis ex-grupos?)...
Sobre la película: pasé un rato divertido con mi familia, nos reímos como descosidos. Tiene gracia: en cada momento hacía reir a uno en concreto, como si a cada uno le hiciera más gracia una parte distinta, y hubieran cuidado que fuera para todos los públicos: aquí para que se rían ls niños, allí los pedantes (ahí estaba yo...), más acá los casposos... En conjunto está impregnada de un humor inteligente, fresco, con el único inconveniente de que las paridas se suceden tan aceleradamente que no da tiempo a reflexionar sobre ellas. Y la mayoría tienen calado, ¿eh?, esto... intelectual :)) Las tortas que se llevan aquellos que tienen ideas fue la parida que a mi más me hizo reir sin parar. Me recordaba a mí misma en el trabajo: lo mejor es no tener ideas, si no puedes evitarlo te las callas, es lo saludable. Eso si, repito, deberían haber dejado el tiempo para las risas entre parida y parida, como en los programas de la tele.
Un chaval se despierta un mal día con la noticia de que su mejor amigo es un extraterrestre y que la tierra va a desaparecer porque la autopista galáctica que van a construir pasa justamente por donde está nuestro planeta, ¿no es alucinante un argumento así? No puedo decir si es una buena o mala adaptación, pues no he leído el libro en el que se basa escrito por Douglas Adams. La película me pareció muy divertida

Noche en la tierra = Night on earth (1991) Jim Jarmush


En 125 minutos Jim Jarmush engarza las historias de cinco viajes en taxi en cinco ciudades diferentes, desde el atardecer al amanecer de la misma noche.
Cada historia parece que solo hubiera podido suceder en la ciudad que sucede. O hagan la prueba y unan lo que se describe en la columna de la derecha con la ciudad de la izquierda en la que es más lógico que haya podido suceder los hechos:

Taxista pesimista y clientes aún más pesimistas Roma
Taxista pésimo conductor y cura con sotana Nueva York
Caza talentos de actrices Helsinki
Taxista enamoradizo Los Ángeles
Cliente al que no paran los taxis Paris

Todas las historias son geniales, unos cuentos cortos con un final inesperado que te deja con la boca abierta. Tienen una misma estructura: un reloj señala la hora y la ciudad en la que va a transcurrir la historia, presentación de sus calles, a veces aparece primero al taxi y al taxista, y otras al cliente o clientes. El cliente sube al taxi. Comentan. Llegada a destino y fin de la historia. El taxi, verdadero protagonista de la película, actua como contenedor-receptor sin el que las historia no podrían suceder, reuniendo a personas que de otra forma difícilmente se encontarían en la vida diaria. Una gozada, y no solo la historia que pasa en Roma, con un Roberto Benigni más payaso que nunca, la de Nueva York, la de Helsinki, la de Paris, ¡qué final la de los Angeles!